Голландский натюрморт накрытый стол

Обновлено: 07.01.2025

Голландский натюрморт XVI–XVII веков — своеобразная интеллектуальная игра, в которой зрителю предлагалось разгадать определенные знаки. То, что с легкостью считывали современники, сегодня понятно не всем и не всегда. Объясняем, что означают изображенные художниками предметы

Жан Кальвин Жан Кальвин (1509–1564) — реформатор церкви и основатель одного из течений протестантизма. Основу кальвинистской церкви составляют так называемые конгрегации — автономные сообщества, управляемые пастором, диаконом и старейшинами, выбранными из мирян. Кальвинизм был очень популярен в Нидерландах в XVI веке. учил, что повседневные вещи обладают скрытым значением, а за всяким изображением должен стоять моральный урок. Предметы, изображенные в натюрморте, многозначны: их наделяли назидательным, религиозным или иным подтекстом. Например, устрицы считались эротическим символом, и современникам это было очевидно: устрицы якобы стимулировали сексуальную потенцию, да и Венера, богиня любви, родилась из раковины. С одной стороны, устрицы намекали на мирские соблазны, с другой — раскрытая раковина обозначала душу, готовую покинуть тело, то есть сулила спасение. Строгих правил, как читать натюрморт, конечно, не существовало, и зритель угадывал на холсте именно те символы, которые хотел видеть. К тому же нельзя забывать, что каждый предмет был частью композиции и его можно было прочитать — в зависимости от контекста и от общего послания натюрморта.

Цветочный натюрморт

Вплоть до XVIII века букет цветов, как правило, символизировал бренность, ведь земные радости так же преходящи, как красота цветка. Символика растений особенно сложна и неоднозначна, и уловить смысл помогали популярные в Европе XVI–XVII веков книги эмблем, где аллегорические иллюстрации и девизы сопровождались пояснительными текстами. Цветочные композиции было непросто интерпретировать: один и тот же цветок имел множество значений, иногда прямо противоположных. Например, нарцисс указывал на самовлюбленность и одновременно считался символом Богоматери. В натюрмортах, как правило, сохранялись оба значения образа, и зритель был волен выбрать один из двух смыслов или совместить их.

Цветочные композиции часто дополнялись плодами, мелкими предметами, изображениями животных. Эти образы выражали основную мысль произведения, подчеркивая мотив быстротечности, увядания, греховности всего земного и нетленности добродетели.

Ян Давидс де Хем. Цветы в вазе. Между 1606 и 1684 годом Государственный Эрмитаж

На картине Яна Давидса де Хема Ян Давидс де Хем (1606–1684) — голландский художник, известный своими цветочными натюрмортами. у основания вазы художник изобразил символы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засохшие стручки гороха. Вот улитка — она ассоциируется с душой грешника Среди других таких отрицательных образов — рептилии и земноводные (ящерицы, лягушки), а также гусеницы, мыши, мухи и другая живность, ползающая по земле или живущая в грязи. . В центре букета мы видим символы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окружают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (разведение тюльпанов считалось в Голландии одним из самых суетных занятий и к тому же недешевым); пышные розы и маки, напоминающие о недолговечности жизни. Венчают композицию два крупных цветка, имеющие положительное значение. Синий ирис олицетворяет отпущение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель. Красный мак, который традиционно ассоциировался со сном и смертью, из-за своего местоположения в букете сменил трактовку: здесь он обозначает искупительную жертву Христа Еще в Средневековье считалось, что цветы мака выросли на земле, орошенной кровью Христа. . Другие символы спасения — это хлебные колоски, а бабочка, сидящая на стебле, олицетворяет бессмертную душу.

Ян Бауман. Цветы, фрукты и обезьяна. Первая половина XVII века Серпуховский историко-художественный музей

Картина Яна Баумана Ян (Жан-Жак) Бауман (1601–1653) — живописец, мастер натюрморта. Жил и работал в Германии и Нидерландах. «Цветы, фрукты и обезьяна» — хороший пример смысловой многослойности и неоднозначности натюрморта и предметов на нем. На первый взгляд, сочетание растений и животных кажется случайным. На самом деле этот натюрморт тоже напоминает о быстротечности жизни и греховности земного существования. Каждый изображенный предмет транслирует определенную идею: улитка и ящерица в данном случае указывают на смертность всего земного; тюльпан, лежащий возле миски с плодами, символизирует быстрое увядание; раковины, разбросанные на столе, намекают на неразумную трату денег В Голландии XVII века было очень популярно коллекционирование разного рода «диковинок», в том числе раковин. ; а обезьяна с персиком указывает на первородный грех и порочность. С другой стороны, порхающая бабочка и плоды: гроздья винограда, яблоки, персики и груши — говорят о бессмертии души и искупительной жертве Христа. На другом, иносказательном уровне представленные на картине фрукты, плоды, цветы и животные обозначают четыре стихии: раковины и улитки — воду; бабочка — воздух; плоды и цветы — землю; обезьяна — огонь.

Натюрморт в мясной лавке

Питер Артсен. Мясная лавка, или Кухня со сценой бегства в Египет. 1551 год North Carolina Museum of Art

Изображение мясной лавки традиционно связывалось с идеей физической жизни, персонификацией стихии земли, а также с чревоугодием. На картине Питера Артсена Питер Артсен (1508–1575) — голландский художник, также известный как Питер Длинный. Среди его работ — жанровые сцены на евангельские сюжеты, а также изображения рынков и лавок. почти все пространство занимает ломящийся от яств стол. Мы видим множество видов мяса: убитую птицу и разделанные туши, ливер и ветчину, окорока и колбасы. Эти образы символизируют неумеренность, обжорство и привязанность к плотским удовольствиям. Теперь обратим внимание на задний план. С левой стороны картины в оконном проеме помещена евангельская сцена бегства в Египет, которая резко контрастирует с натюрмортом на переднем плане. Дева Мария протягивает последний ломоть хлеба нищей девочке. Заметим, что окно расположено над блюдом, где крест-накрест (символ распятия) лежат две рыбы — символ христианства и Христа. Справа в глубине изображена таверна. За столом у огня сидит веселая компания, выпивает и ест устриц, которые, как мы помним, ассоциируются с похотью. Рядом со столом висит разделанная туша, указывающая на неотвратимость смерти и мимолетность земных радостей. Мясник в красной рубахе разбавляет вино водой. Эта сценка вторит основной идее натюрморта и отсылает к Притче о блудном сыне Вспомним, что в Притче о блудном сыне есть несколько сюжетов. Один из них повествует о младшем сыне, который, получив от отца имение, продал всё и спустил деньги на распутную жизнь. . Сцена в таверне, равно как и мясная лавка, полная яств, говорит о праздной, распутной жизни, привязанности к земным наслаждениям, приятным для тела, но губительным для души. В сцене бегства в Египет герои практически повернуты к зрителю спиной: они удаляются вглубь картины, подальше от мясной лавки. Это метафора бегства от распутной жизни, полной чувственных радостей. Отказ от них — один из способов спасти душу.

Натюрморт в рыбной лавке

Рыбный натюрморт — это аллегория водной стихии. Такого рода произведения, как и мясные лавки, часто были частью так называемого цикла первостихий В Западной Европе были распространены большие живописные циклы, состоявшие из нескольких картин и, как правило, висевшие в одной комнате. Например, цикл времен года (где с помощью аллегорий изображались лето, осень, зима и весна) или цикл первостихий (огонь, вода, земля и воздух). и, как правило, создавались для украшения дворцовых столовых. На первом плане картины Франса Снейдерса Франс Снейдерс (1579–1657) — фламандский живописец, автор натюрмортов и барочных анималистических композиций. «Рыбная лавка» изображено множество рыбы. Здесь есть окуни и осетры, караси, сомы, семга и другие дары моря. Часть уже разделана, часть ожидает своей очереди. Эти изображения рыб не несут никакого подтекста — они воспевают богатство Фландрии.

Франс Снейдерс. Рыбная лавка. 1616 год Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Рядом с мальчиком мы видим корзину с подарками, которые он получил ко Дню святого Николая В католичестве День святого Николая принято отмечать 6 декабря. В этот праздник, как и на Рождество, детям дарят подарки. . На это указывают привязанные к корзине деревянные красные башмачки. Помимо сладостей, фруктов и орехов, в корзине лежат розги — как намек на воспитание «кнутом и пряником». Содержание корзины говорит о радостях и горестях человеческой жизни, которые постоянно сменяют друг друга. Женщина объясняет ребенку, что послушные дети получают подарки, а дурные — наказание. Мальчик отпрянул в ужасе: он подумал о том, что вместо сладостей получит удары розгами. Справа мы видим оконный проем, в котором можно разглядеть городскую площадь. Группа детей стоит под окнами и радостно приветствует кукольного шута на балконе. Шут — неотъемлемый атрибут народных праздничных гуляний.

Натюрморт с накрытым столом

В многочисленных вариациях сервировки столов на полотнах голландских мастеров мы видим хлеб и пироги, орехи и лимоны, колбасы и окорока, омаров и раков, блюда с устрицами, рыбой или пустыми раковинами. Понять эти натюрморты можно в зависимости от набора предметов.

Геррит Виллемс Хеда. Ветчина и серебряная посуда. 1649 год Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

На картине Геррита Виллемса Хеды Геррит Виллемс Хеда (1620–1702) — автор натюрмортов и сын художника Виллема Класа Хеды. мы видим блюдо, кувшин, высокий стеклянный бокал и опрокинутую вазу, горчичницу, окорок, смятую салфетку и лимон. Это традиционный и излюбленный набор Хеды. Расположение предметов и их выбор неслучайны. Серебряная посуда символизирует земные богатства и их тщетность, ветчина — плотские удовольствия, привлекательный с виду и кислый внутри лимон олицетворяет предательство. Погасшая свеча указывает на бренность и мимолетность человеческого существования, беспорядок на столе — на разрушение. Высокий стеклянный бокал-«флейта» (в XVII веке такие бокалы использовались как мерная емкость с метками) хрупок, как человеческая жизнь, и в то же время символизирует умеренность и умение человека контролировать свои порывы. В целом в этом натюрморте, как и во многих других «завтраках», с помощью предметов обыгрывается тема суеты сует и бессмысленности земных наслаждений.

Питер Клас. Натюрморт с жаровней, сельдью, устрицами и курительной трубкой. 1624 год Sotheby’s / Частное собрание

Большая часть изображенных предметов на натюрморте Питера Класа Питер Клас (1596–1661) — голландский художник, автор множества натюрмортов. Наряду с Хедой считается основателем харлемской школы натюрморта с ее геометрическими монохромными картинами. являются эротическими символами. Устрицы, трубка, вино отсылают к кратким и сомнительным плотским удовольствиям. Но это всего лишь один вариант прочтения натюрморта. Посмотрим на эти образы под другим ракурсом. Так, раковины — это символы бренности плоти; трубка, с помощью которой не только курили, но и выдували мыльные пузыри, — символ внезапности смерти. Современник Класа, голландский поэт Виллем Годсхалк ван Фоккенборх, в стихотворении «Моя надежда — это дым» писал:

Как видно, бытие сродни куренью трубки,
И в чем различие — мне, право, невдомек:
Одно — лишь ветерок, другое — лишь дымок. Пер. Евгения Витковского

Теме быстротечности человеческого существования противопоставляется бессмертие души, и знаки бренности внезапно оказываются символами спасения. Хлеб и стеклянный бокал с вином на заднем плане ассоциируются с телом и кровью Иисуса и указывают на таинство причастия. Сельдь — еще один символ Христа — напоминает о посте и постной пище. А раскрытые раковины с устрицами могут сменить свое негативное значение на прямо противоположное, обозначая человеческую душу, отделившуюся от тела и готовую вступить в вечную жизнь.

Разные уровни трактовки предметов ненавязчиво говорят зрителю о том, что человек всегда волен выбирать между духовным и вечным и земным преходящим.

Vanitas, или «Ученый» натюрморт

Жанр так называемого «ученого» натюрморта получил название vanitas — в переводе с латыни это означает «суета сует», другими словами — «memento mori» («помни о смерти»). Это самый интеллектуальный вид натюрморта, аллегория вечности искусства, бренности земной славы и человеческой жизни.

Юриан ван Стрек. Суета сует. 1670 год Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Меч и шлем с роскошным плюмажем на картине Юриана ван Стрека Юриан ван Стрек (1632–1687) — амстердамский художник, известный своими натюрмортами и портретами. указывают на мимолетность земной славы. Охотничий рог символизирует богатства, которые невозможно взять с собой в иную жизнь. В «ученых» натюрмортах часто встречаются изображения раскрытых книг или небрежно лежащих бумаг с надписями. Они не только предлагают задуматься об изображенных предметах, но и позволяют использовать их по назначению: прочесть открытые страницы или исполнить записанную в нотной тетради музыку. Ван Стрек изобразил набросок головы мальчика и раскрытую книгу: это трагедия Софокла «Электра», переведенная на голландский. Эти образы указывают на то, что искусство вечно. Но страницы книги загнуты, а рисунок помят. Это признаки начавшейся порчи, намекающие на то, что после смерти даже искусство не пригодится. О неизбежности смерти говорит и череп, а вот обвивающий его хлебный колос символизирует надежду на воскресение и вечную жизнь. К середине XVII века череп, обвитый хлебным колосом или вечнозеленым плющом, станет обязательным предметом для изображения в натюрмортах в стиле vanitas.

Какие тайны родоначальницы голландского натюрморта раскрывают её картины: Клара Петерс

Клара Петерс творила полвека, создавая почти исключительно натюрморты – новаторские, потрясающие и техникой, и символизмом, и красотой постановки. Сегодня ее называют родоначальницей знаменитого «голландского натюрморта». Ее приемы и композицию копировали, ее работы приписывали многим художникам, не веря, что женщина могла достичь такого уровня в живописи. Однако о жизни художницы мы знаем очень мало - лишь то, что рассказывают ее картины.

Главная проблема в исследованиях жизни и творчества Петерс заключается в том, что она была женщиной. Петерс работала в первой половине XVII века. Женщины-художницы в то время не имели возможности вступать в союзы и гильдии, практически не получали дорогих заказов. Им не позволялось писать на многие темы, изображать обнаженную натуру или грандиозные исторические сцены, а в области «низких» жанров сложно было сделать значимую карьеру. Поэтому сведений о Кларе Петерс нет в архивах художественных гильдий Нидерландов, как не было у нее и собственных биографов. Неизвестно, кто обучал ее живописи. Даже даты, документально связанные с именем Клары Петерс – дата рождения, день свадьбы – кажутся довольно спорными и могут относиться к совершенно другим женщинам. К тому же документальные свидетельства тех лет часто оказывались утеряны, уничтожены пожаром или сыростью…

В то же время Клара Петерс, по-видимому, была одной из наиболее влиятельных художниц своего времени. По-видимому, ей принадлежит несколько нововведений, которые в дальнейшем были подхвачены ее последователями. В годы творчества Петерс голландский натюрморт еще не был «визитной карточкой» северного искусства и не пользовался такой популярностью, а некоторые искусствоведы считают, что именно Клара Петерс стояла у истоков знаменитого «голландского натюрморта».

Первая атрибутированная работа Клары Петерс датирована 1607 годом, последняя из известных - 1657. Сохранилось около сорока ее полностью завершенных работ, написанных с удивительной скрупулезностью и подчеркнутым натурализмом. Часто она включала в свои картины неожиданные детали – зверьков, насекомых, раковины моллюсков. Все они обладают скрытым смыслом, понятным в контексте культуры протестантских Нидерландов XVII века.

Ее великолепные натюрморты рассказывают о художнице больше, чем скупые церковные книги и сухие заметки современников.
Мастерство художницы, выверенная композиция и тонкий символизм показывают, что она получила основательную подготовку. Все работы явно написаны с натуры, их материальность, точность, живость почти фотографичны. А значит, художница пользовалась этими роскошными вещами – золотыми бокалами, изысканным фарфором. Очень часто на металлических изделиях, кубках и столовых приборах, обнаруживают клейма антверпенских мастеров.

Есть клейма антверпенских мастерских и на досках, по которым писала Петерс. Клара жила в Антверпене, предположительно, всю жизнь. И она была богата – вероятно, дворянского происхождения или состояла в браке с дворянином. Поздние ее работы содержат изображения дичи, добытой во время охоты и еще не освежеванной – а охота в Нидерландах с 1613 года была развлечением, доступным лишь знатным людям. Продукты и блюда, «поданные» в натюрмортах Клары, тоже оставались недоступными для простых горожан – изысканные сладости, фрукты, оливки. Для Петерс же эти роскошные завтраки на золотой посуде были обыденностью…

Мы даже можем предположить, как выглядела Клара Петерс. Она любила совмещать жанры автопортрета и натюрморта в одной работе. В дальнейшем портрет или автопортрет «внутри» натюрморта стал в XVII веке ярким признаком голландской школы натюрморта. Иногда она изображала себя в отражении, когда писала стеклянную и металлическую посуду – с палитрой в руке, в ореоле светлых волос, но черты различить невозможно. Однако в одной из работ, «Аллегория тщеславия», Петерс написала роскошно одетую молодую женщину возле стола, заваленного прекрасными, тонко выполненными вещами – атрибутами роскоши. Большая золотая чаша, украшения, горсть золотых монет, игральные кости… Это изображение считается автопортретом Клары Петерс. Правая рука женщины сжимает карандаш или кисть, но протянута к изящному ножику. Ножик – узнаваем, на нем выгравировано имя Клары. Он часто встречается в натюрмортах художницы и, очевидно, был исключительно дорог ей. Подарок возлюбленного? Дар любимого супруга в день венчания? Без сомнения – свидетельство глубокого и сильного чувства…

По-видимому, у Клары Петерс была собственная студия, она продавала работы богачам и аристократам, даже преподавала и стояла у истоков своего рода художественной школы. Картины Клары Петерс «добрались» даже до Мадрида и попали в коллекции испанских королей (теперь эти работы находятся в собрании Прадо). Согласно документам, работы Петерс оказывались в частных коллекциях в Париже, Бонне, Брюсселе, Ганновере, Гамбурге и Лондоне – еще при жизни художницы.

Некоторые неатрибутированные работы в жанре голландского натюрморта выполнены явно в подражание Петерс, хотя технически не столь совершенны, использованы типичные для нее предметы, но при этом обнаруживаются чужие корректировки. Могли ли авторы быть ее учениками? У искусствоведов в ходу понятие «круг Петерс». К этой весьма немногочисленной группе относят художников, в значительной степени перенявших стиль, технику, композиционный подход королевы голландского натюрморта.

Долгое время многе работы Клары Петерс приписывались ее последователям, а упоминания о ней не вызывали интереса у искусствоведов. Однако сегодня, когда значение художницы стало бесспорным, она завоевала сердца поклонников искусства. Фотографы, дизайнеры и художники, независимо от пола, вдохновляются уютной и таинственной атмосферой, сложными символическими кодами и виртуозной техникой натюрмортов Клары Петерс.

Завтрак на голландский манер: Как «вкусные» натюрморты превратились в отдельное направление живописи

Украсить стену своей гостиной или столовой картиной XVII века имели возможность либо весьма состоятельные ценители живописи, либо обычные голландские бюргеры, правда, жившие около четырехсот лет назад. Тогда и появились первые натюрморты-завтраки, быстро ставшие очень популярными, и если их внимательно рассмотреть, становится ясно, почему.

Картины, вызывающие аппетит: натюрморты из Харлема

Первые натюрморты были призваны замаскировать стенную нишу или украсить створку шкафа – голландские граждане могли себе это позволить, а огромное количество произведений художников на рынке изобразительного искусства позволяло выбирать лучшие или, по крайней мере, те, что были милей глазу хозяина дома. Сначала появились цветочные натюрморты, а изображать группы предметов, съедобных и несъедобных, на белой скатерти стало модно чуть позднее, они перекочевали в отдельные самостоятельные произведения с групповых портретов за накрытым столом.

Родиной и центром создания таких натюрмортов – они носили также названия «Завтраки», «Десерты» - стал голландский город Харлем. Мастера изображали простые и привычные для голландского быта предметы и продукты: сыр, ветчину, фрукты, рыбу, пиво, сервированные в оловянной посуде. Но положение Голландии как богатой и процветающей страны, отправлявшей корабли на край света и привозившей из колоний огромное количество экзотических товаров, отразилось и на искусстве. На натюрмортах все чаще стали появляться крабы и омары, креветки и устрицы, виноград и оливки.
Менялась и посуда на картинах – оловянные миски уступили место серебряным блюдам, художники изображали перламутровые кубки из раковин наутилуса, дорогой фарфор, высокие бокалы с вином.

Одним из назначений натюрморта было радовать глаз его обладателя, украшать собой помещение, а потому «завтраки» становились все более роскошными и декоративными. Впрочем, каждый художник, во всяком случае, из тех, кто чувствовал себя не ремесленником, а творцом, старался вносить в свои произведения некий смысл, наполнять их символами.

Чьи имена и натюрморты сохранила история изобразительного искусства

Одним из первых натюрмортов-завтраков XVII века считается картина харлемского живописца Николаса Гиллиса «Накрытый стол». Предметы на столе предстают перед зрителем под таким ракурсом, как будто на них смотрят чуть сверху. Это позволяет увидеть и разглядеть все, что находится на столе, от пирамиды с сырами до ореховых скорлупок.

Чтобы натюрморт был интересным и живым, а не просто изображением группы разных предметов, от художника требовалось тщательно продумать композицию. Поэтому от голландских «завтраков» остается впечатление некоторой интимности, как будто зритель заглядывает в чей-то дом и чью-то жизнь.
Нарочитой небрежностью отличались натюрморты Рулофа Кутса, еще одного харлемского живописца. Его визитной карточкой стала виноградная лоза с тщательно написанными листьями и нарочитая небрежность, даже беспорядок на столе – смятая скатерть, опрокинутые кубки, свисающие с края стола предметы.

Два мастера голландского натюрморта считаются одними из ведущих художников в этом жанре. Одним из них был Питер Клас, который поначалу также специализировался на натюрмортах вида «суета сует» или vanitas, напоминавших о бренности человеческого бытия. Со временем он полностью посвятил себя «завтракам», изображая на холсте небольшое количество предметов, создавая иллюзию скромной трапезы на одну персону, как будто некто, для кого накрыт стол, только что отошел и вот-вот вернется. Натюрморты Класа замечательны и тем, что демонстрировали объемное изображение, игру света на предметах, блики, серебристый тон.

Другой выдающийся живописец XVII века, Виллем Клас Хеда, тоже обращался к идее бренности бытия на своих натюрмортах – это заметно по изображениям перевернутых и разбитых бокалов, Его картины были выдержаны в сером или коричнево-зеленом тоне, без ярких акцентов, несколько выделялись лишь белая скатерть и желтый лимон или пирог. Работы Хеды стали первыми примерами монохромного натюрморта. Обычный набор предметов на картинах художника – кувшин, блюдо, бокал, окорок, смятая салфетка, опрокинутая ваза, наполовину очищенный лимон – в каждом новом произведении складывался в новую неповторимую композицию. Хеда тщательно, точно передавал форму, цвет, фактуру каждого предмета, и эта достоверность придавала натюрморту некоторую таинственность, загадочность.

Что могло быть зашифровано на натюрмортах «Завтрак»?

Современному зрителю представляется шанс увидеть на голландских натюрмортах продукты четырехвековой давности и заодно старинные способы их сервировки, и уже одно это заставляет присмотреться к ним повнимательнее. А кроме того, нельзя забывать о символах, которые прятали на картинах.

Голландцам нравилось воспринимать простые, повседневные вещи полными скрытого смысла, часто философского. О том, что жизнь и удовольствия преходящи, художники любили «упомянуть» в большинстве натюрмортов. Считается, что именно о тщете и бренности говорят, например, разбитые бокалы и ощущение хаоса на столе. А вот окорок, ветчина, вино символизируют плотские, земные удовольствия.

Устрицы несли в себе неоднозначный смысл, чаще всего их изображение имело эротический подтекст – ведь и Венера родилась из раковины, но порой в них видели, наоборот, символ раскрытой души. Рыба напоминала о Христе, нож - о жертве, лимон символизировал предательство.

Во многом благодаря изображению на натюрмортах некоторые продукты становились особенно востребованными, те же устрицы однажды оказались под угрозой полного уничтожения, пришлось запрещать их ловлю в определенные месяцы года.

А в целом натюрморт предоставлял его владельцу возможность самостоятельно трактовать изображенную на холсте композицию, и судя по тому спросу, которыми пользовались «завтраки», голландцам, да и иностранным ценителем этого жанра, такое занятие было по душе.

Не только натюрмортам, но и другим жанрам живописи было положено начало четыре столетия назад, и можно легко догадаться, в чем секрет популярности малых голландцев XVII века, картинами которых сегодня гордятся Эрмитаж и Лувр.

Голландские натюрморты: символизм и философский смысл

Голландские натюрморты, созданные в XVI-XVIII веках, представляют собой зашифрованные послания от автора к зрителю. Изображенные на них предметы — это символы, которые были понятны современникам, но не всегда угадываются сейчас. И все же многие знаки известны нам благодаря сохранившимся эмблематическим сборникам XVIII столетия. Изучение голландских натюрмортов дает понять, насколько глубокий смысл в них вкладывался. Каждая картина, если прочитать ее правильно, превращается в нравственный урок.

Натюрморты в Голландии заменили иконы жителям протестантских стран, где были запрещены изображения святых. Картины с цветами, фруктами, посудой, дичью и вином напоминают о бренности земного мира, проповедуют умеренную и праведную жизнь. Постепенно традиция распространилась и в католической Фландрии, а позже — во Франции. Какие знаки использовали живописцы, чтобы передать этот смысл?

Голландские натюрморты с цветами

Голландские натюрморты с цветами появились раньше других. В основе их символики лежит язык цветов, сложившийся еще в эпоху Готики и Возрождения. Значение того или иного растения было понятно каждому образованному дворянину. Сложность состояла в том, что многие цветы обладали несколькими значениями, иногда почти противоположными.

Например, нарцисс был одним из символов Богоматери, но также мог означать самовлюбленность, как в древнегреческом мифе. То же самое с тюльпанами: они символизируют и обращение Богоматери к Христу, и расточительную страсть богатых голландцев к коллекционированию луковиц. В итоге один и тот же натюрморт может читаться по-разному.

Классический натюрморт с цветами писали в соответствии со сложившейся «иконографией». Внизу изображали увядшие соцветия и осыпавшиеся лепестки, как метафору бренности. Земное несовершенство могли также обозначать мухи или пустые раковины. В центре размещали цветы, означавшие скромность и душевную чистоту, обычно полевые: ландыши, незабудки или фиалки. По краям их окружают пышные розы, гвоздики или анемоны как символ греховного тщеславия и стремления к роскоши. Наверху или в центре изображается самый красивый цветок — знак добродетели и надежды на спасение.

Ваза означает хрупкость, когда она стеклянная, или человеческое тело как сосуд души. Если в верхней части картины порхает бабочка, стрекоза или птичка, — это символ бессмертной души.

Голландские натюрморты с накрытым столом

Еще один популярный тип голландского натюрморта — это сервировка стола. Разнообразные фрукты, морепродукты, напитки и другие предметы — все это имело свое значение. Вот небольшой список «съедобных» символов:

спелые плоды — богатство и процветание;
земляника — знак добродетели и трудолюбия;
гроздь винограда и гранат — жертва Христа;
лимон — предательство или разочарование;
яблоко — напоминание о грехопадении;
ветчина — чревоугодие;
устрицы — мирские соблазны и прелюбодеяние;
хлеб и вино — таинство причастия;
сельдь — символ Христа и постной пищи;
пшеничные колосья — знак возрождения и обновления.

Часто на натюрмортах появляется высокий стеклянный сосуд — он символизирует хрупкость человеческой жизни. Если бокал наполнен наполовину — это призыв к умеренности, а пустой означает смерть. Бутылка символизирует пьянство, нож — предательство, а серебряная посуда — богатство.

Иногда разнообразная снедь на картине воплощает четыре стихии:

воздух — живая или битая птица, бабочки и стрекозы;
вода — рыба и моллюски;
земля — фрукты, овощи и злаки;
огонь — солнечный свет или хлеб.

Главная мораль голландских натюрмортов состоит в напоминании о смерти и вечной жизни, но каждый мастер воплощает эту идею по-своему. Зритель, рассматривая картину, включается в культурную игру и пытается разгадать все ее смыслы. В этом один из секретов популярности голландского искусства.

Если вы хотите купить старинную картину для своей коллекции, найти ее поможет сайт Very Important Lot! Здесь регулярно проводятся аукционы, на которых можно приобрести редкие произведения искусства русских или зарубежных мастеров.

Голландский натюрморт накрытый стол

Питер Клас (нидерл. Pieter Claesz (ок. 1597, Берхем — 1 января 1661, Харлем) — голландский художник, мастер натюрморта. Натюрморт с фруктами

Натюрморт с крабом

Хеда, Виллем Клас (Willem Claesz (Claeszoon) Heda) (14 декабря 1593/1594, Харлем — 24 августа 1680/1682, там же) — голландский живописец, мастер натюрморта. Натюрморт с серебряным кувшином

Виллем Кальф (нидерл. Willem Kalf, 1619, Роттердам — 31 июля 1693, Амстердам) — один из самых известных голландских мастеров натюрморта

Голландские натюрморты с цветами идут отдельной строкой в истории живописи. Эти цветочные ассорти любимы и почитаемы во всем мире

Абрахам ван Бейерен (ок. 1620 — 1690) — голландский художник XVII века, мастер натюрмортов с посудой и фруктами, иногда с цветами, рисовал также морские пейзажи.

Бальтазар ван дер Аст (нидерл. Balthasar van der Ast; ок. 1593, Мидделбург — 1657, Делфт) — нидерландский художник и рисовальщик.

Виллем ван Алст (нидерл. Willem van Aelst, род. 16 мая 1627 г. (крещён) Утрехт или Дельфт — ум. после 1683 г. Амстердам) — нидерландский художник эпохи барокко, мастер натюрморта.

Ян Давидс де Хем — нидерландский художник и сын художника Давида де Хеема. Предположительно, ученик Бальтазара ван дер Аста

Ян ван Хёйсум (нидерл. Jan van Huysum; 15 апреля 1682, Амстердам — 8 февраля 1749, Амстердам) — нидерландский художник

Амброзиус Босхарт Старший (Амброзий Босхарт, нидерл. Ambrosius Bosschaert de Oude; 1573, Антверпен — 1621, Гаага) — фламандский художник золотого века нидерландской живописи.

Известен прежде всего своими цветочными натюрмортами, выполненными в сочных цветах

Читайте также: