Игрушки на картинах художников
Мир детства. Как только мы переступаем порог взрослости, этот мир становится для нас недосягаемым. Недосягаемым и до боли желанным. Снова и снова мы вспоминаем о своем детстве, переживаем самые яркие моменты, видим свое детство во сне. Наверное, каждый взрослый человек хотя бы раз в жизни говорил: "Как бы я хотел снова вернуться в детство. "
Кто-то теряет детство безвозвратно, кому-то удается сохранить его в своей душе, в своем сердце. Вы помните свои любимые игрушки? Книжки? Мультики? Своих друзей из далекого детства? Как хорошо, если вы все это помните!
Добрые, милые, незабываемые игрушки — верные друзья детских лет. Взрослея, мы забываем о них, они становятся не нужны нам. Но проходит время — и вдруг мы вспоминаем! И так хочется увидеть любимого мишку еще раз, прижать крепко-крепко мягкого зайку или куклу, покатать по полу мяч или машинку.
И мы играем — играем вместе со своими детьми! А когда и они взрослеют, то появляются внуки. И мы снова играем! Игрушки уже другие, но игра продолжается!
Я очень люблю на Ярмарке заходить в магазины мастеров, которые создают игрушки. Сколько радости, света, ярких красок! Сколько нежности, воплощенной в каждой из них! Такие разные, но все — прелестные, милые, очаровательные! Прогулялась я по магазинам игрушек и вдруг в памяти всплыли картина известного художника Бориса Михайловича Кустодиева. На ней — маленькая девочка с японской куклой в руках. И я подумала о том, что на картинах многих художников изображены дети с любимыми игрушками, которые составляют неотъемлемую часть мира детства. Я начала искать (конечно же, на просторах интернета!). Оказалось, что игрушки не так уж редко появлялись и появляются на картинах!
Для большинства художников игрушки служили всего лишь дополнением образа ребенка. Но посмотрите, какое это милое дополнение! И как много в нем очарования, как много может рассказать игрушка в руках ребенка!
Фриц Цубер-Бюлер (1822 - 1896), швейцарский художник:
Эмиль Мунье (1840 - 1895), французский художник:
Альфред Карлтон Смит (1853-1946), английский художник:
Борис Михайлович Кустодиев (1878 - 1927).
"Мальчик с мишкой":
Зинаида Серебрякова (1884 - 1967).
"Девочка с куклой":
Игорь Иванович Ершов (1916 - 1985).
"Ксения читает сказки куклам":
Александр Максович Шилов (род. в 1943 г.):
Современные художники все чаще и чаще обращаются к теме детства. Они создают сказочный мир, в котором игрушки не просто дополняют образ ребенка, но живут своей игрушечной жизнью, создают атмосферу счастья.
Юрий Кротов "Запахи детства":
Василий Нестеренко "Новая игрушка":
Роб Хефферан, английский художник:
Грустные игрушки Нино Чакветадзе:
"Игрушки" Руслана Смородинова:
Вызывающий столько трогательных воспоминаний "Дедушкин чердак" Елены Степура:
Солнечные игрушки Екатерины Дудник:
Сандра Кук — американская художница , которая создает очень яркие образы детей и игрушек:
Анимализм — (от лат. animal — животное) — жанр изобразительного искусства, главным объектом которого являются животные, птицы, рыбы и насекомые. Стоит различать мастеров, которые вводят животных в свои картины в качестве второстепенных персонажей, и художников-анималистов, которые изображают только животных, зачастую специализируясь лишь на некоторых из них, добиваясь максимальной достоверности изображения. Отдельный поджанр направления - энциклопедическая анималистика, посвященная реконструкции внешнего вида животных по их ископаемым останкам (динозавры, мамонты, птицы и т.п.)
Скульптуры и рисунки животных, птиц и рыб встречаются во многих древних культурах, в произведениях искусства Древнего Востока и Африки, древней Америки и Океании. В древнем Египте животные и их изображения несли религиозный подтекст, греки предпочитали скульптурные изображения, а художники Помпеи включали зверей и птиц в свои знаменитые фрески и мозаики. В Средние века изображение животных было условным. Только с расцветом эпохи Ренессанса и ростом интереса человечества к естественным наукам возродилось стремление художников к достоверному изображению представителей животного и растительного мира.
Анимализм стал отдельным направлением живописи и скульптуры. Одной из первых картин этого жанра считается «Заяц» Альбрехта Дюрера (1502). Позже художники, работающие исключительно в жанре анимализм, часто сотрудничали с мастерами других жанров. Так, Питер Пауль Рубенс высоко ценил мастерство Франса Снейдерса, художника, чьей специализацией были натюрморты и охотничьи сцены, и приглашал его дописать зверей и птиц на своих картинах. Много позже известный русский анималист Константин Савицкий допишет медведей на знаменитой картине Шишкина «Утро в сосновом бору».
Золотой век Голландии не очень жаловал художников-анималистов, однако их искусство было востребовано при дворе. Знать обожала изображения своих любимых питомцев и охотничьи натюрморты, которые писал, к примеру, фламандец Ян Фейт. В Англии объектом картин анималистов часто становились породистые скаковые лошади и животные, занимающие призовые места на выставках домашнего скота. Джон Вуттон, работающий в жанре анимализм, стал основоположником спортивного направления: он изображал на своих картинах сцены скачек и охоты, собак и лошадей. А французы ввели моду на скульптурные изображения животных, которыми украшали сады и парки.
Один из ведущих европейских художников-анималистов XVIII века англичанин Джордж Стаббс, был не только живописцем, но и выдающимся биологом, доцентом в области анатомии человека и животных и автором ряда научных работ, в том числе книги «Анатомия лошадей» (1766). Обладая глубокими знаниями, Стаббс создавал потрясающе достоверные картины в стиле анимализма, безупречные с научной точки зрения. Его работы потрясали воображение современников и стали для многих художников поводом углубиться в изучение анатомии животных. Француз Луи Жаден прославился изображениями собак, а вот Шарль Эмиль Жак обожал рисовать кур и овец. Художники-анималисты рисовали иллюстрации для научно-популярных книг, посвященных животному миру, и стали настоящими просветителями. Развитию анимализма также способствовали публичные зоопарки, которые стали открываться в Европе с середины XVIII века, став источником достоверной натуры для художников этого жанра.
Знаковые картины художников стиля анимализм :
«Заяц», Альбрехт Дюрер, (1502)
«Охота на кабана», Франс Снейдерс, (1625-1630)
«Конный портрет короля Георга II во время Деттингенского сражения», Джон Вуттон, (1743)
«Лев, нападающий на лошадь», Джордж Стаббс, (1762)
«Монарх горной долины», Эдвин Ландсир, (1851)
Кукла Таня , мячик и не только: рассказываем детям истории об игрушках , показываем им картины известных художников , и интересуемся их мнением на этот счет.
Существует несколько способов увлечь ребенка историей искусств. Один из них — занимательные рассказы о том , что близко и ему , и живописцам. Речь пойдет об игрушках , известных с глубокой древности. Собранный материал поможет вашему юному искусствоведу начать разбираться в живописи , а заодно расширит кругозор сведениями о том , чем играет он сам , а также герои полотен столетней давности.
Погремушка? Царское это дело!
Пока что считается , что самой древней погремушке более 4 000 лет. Почему « пока что»? Да мало ли , что завтра еще обнаружат неуемные археологи. Несколько лет назад эти охотники за древностями в центральной части Турции раскопали ее — терракотовую погремушку. Она неплохо сохранилась и до сих пор могла бы утешить новорожденного мелодичными постукиваниями гальки внутри себя.
При этом задача успокоить младенца долгое время не была основным предназначением погремушки. Ее стук использовался для устрашения злых духов. Казалось бы , что может звучать страшнее ( как для духов , так и для людей), чем детский плач? Но нет! Древние злые силы предпочитали бояться погремушек.
Гремящие игрушки , изготовленные из различных материалов , использовались в культурах разных народов на всех континентах , кроме Антарктиды. Люди здесь не живут , а императорские пингвины развлекают своих новорожденных птенцов другими способами. Зато те императоры , которые не птицы , непременно в детстве имели свои погремушки: инкрустированные алмазами , изумрудами и рубинами , или же простенькие — всего лишь из золота или серебра.
Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait , от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше
На портрете неизвестного художника годовалый малыш — будущий император Александр І - сжимает в ручке погремушку , которую изготовили почти за сорок лет до его рождения. Мастера-ювелиры Самсон Ларионов и Михаил Бельский создали этот погремушечный шедевр по заказу Анны Иоанновны в 1740 году для младенца-императора Иоанна Антоновича. Тому довелось поиграть с погремушкой всего несколько месяцев. Его , еще младенца , свергла с престола будущая императрица Елизавета Петровна. Драгоценная игрушка потом передавалась по наследству императорским детям. Сейчас она хранится в Алмазном фонде Московского Кремля.
На портрете кисти Федора Рокотова малыш держит погремушку попроще — она из серебра. Хотя сам ребенок — граф Алексей Бобринский — тоже царских кровей. Он был незаконнорожденным сыном императрицы Екатерины ІІ, которая , увы , не любила сына.
Что ж , даже если детство императорских отпрысков не всегда было радужным , зато их погремушки всегда были дорогими.
«Я люблю свою лошадку!»
По одной из версий , дети принялись скакать на палках-кониках почти сразу после того , как их родители одомашнили лошадь. То есть в IV тысячелетии до н.э. Много позже палки « обросли» головами. Для бедных детей это был пучок соломы. Для богатых — вырезанная из дерева голова , а для очень-очень богатых — искусно изготовленная морда коня , обтянутая натуральной кожей , да еще и с уздечкой , украшенной драгоценными камнями. При этом суть игры оставалась неизменной. Разве что дети не очень богатых родителей могли беспрепятственно ускакать дальше.
В Европе с ХVI века сложилась традиция дарить такую лошадку на палочке мальчику , когда ему исполнится год. И приблизительно в этом же веке у коников « выросли» еще и конечности , и укрепились либо на изогнутых палках ( лошадка-качалка), либо на доске с колесиками.
Представляем первый выпуск нашего « арт-путеводителя» для детей: если вы желаете , чтобы ваш ребенок был подкован в культурной сфере — предлагаем начать с малого. Дети часто видят эти изображения , и мы предлагаем узнать побольше о популярных источниках « мемов». Шедевры расположены в хронологическом порядке , о каждой картине мы сообщаем по одному любопытному факту. Продолжение следует: новые выпуски рубрики мы составим вместе с вами.
Обратите внимание: «клик» на изображении открывает картину в полном размере , а под картинкой вы найдете полное описание каждой работы этой арт-подборки.
1. Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини» (1434)
Это одна из самых загадочных картин в мировой живописи. Полагают , что на картине изображен итальянский торговец Джованни ди Николао Арнольфини и его супруга в их доме в Брюгге. А вот дальше начинаются загадки. Почему супруги разуты ( их снятая обувь присутствует на полотне)? Почему над мужчиной горит свеча в люстре , а над женщиной — нет? Неужто так художник дает понять , что к моменту завершения картины жены Арнольфини уже не было на свете , и эта картина была заказана в память о ней? И обратите внимание на зеркало. Там видим не только отражение супругов. Что за фигуры? Свидетели? «Похоже , один из них — сам живописец , судя по изящной надписью между зеркалом и люстрой: «Johannes van eyck fuit hic» или « Ян ван Эйк был здесь». И это еще не все тайны культового полотна — искусствоведы вряд ли в ближайшее время придут к единому мнению по поводу этой работы.
2. Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры» (1482-1486)
Рожденная из морской пены античная богиня любви — Венера — прибывает на остров Крит. Боттичелли написал картину на основе мифа , а со временем и его работа обросла мифами. Так , в некоторых исторических документах значится , как 7 февраля 1497 года доминиканский монах Джироламо Савонарола сподвиг христиан во Флоренции разжечь огромный костер , чтобы уничтожить « безделушки», не способствующие укреплению христианской веры. Якобы и Сандро Боттичелли был одним из участников церемонии ( последователей идей монаха его же современники называли « плаксами»), и вроде бы он лично бросил в огонь несколько своих полотен на мифологические темы. Но пламя костра пощадило « Рождение Венеры».
3. Леонардо Да Винчи, «Тайная вечеря» (1495-1498)
Художнику заказали создать фреску в соборе , но обожающий эксперименты Да Винчи предпочел пойти иным путем. Он не стал писать по мокрой штукатурке , как того требовала техника создания фресок , а изобрел свой метод , покрыв каменную стену слоем из смолы , гипса и мастики. Увы , эксперимент оказался неудачным. В результате религиозный сюжет — общение Христа с учениками накануне распятия — со временем стал настоящим бичом для реставраторов. На сегодня работа Леонардо да Винчи содержит примерно 20 процентов от оригинала.
4. Микеланджело Буонарроти, «Сотворение Адама» (1511-1512)
Действие на фреске замерло за секунду до начала библейской истории — сотворения Всевышним человека. В Библии сказано , что Бог « вдунул в лице его дыхание жизни , и стал человек душею живою» ( Быт. 2:7). Но у Микеланджело , как утверждают исследователи , было собственное видение: на его фреске мы видим сотворение не просто человека , а homo sapiens ( «человека разумного»). Ведь Адам уже явно способен и дышать , и двигаться , но еще является незавершенным творением. Чего же ему не хватает? Профессор Темпльского университета США Марша Холл отвечает на этот вопрос: «С точки зрения итальянского Ренессанса , наделение человека способностью мыслить означало быть созданным по образу и подобию Бога». Некоторые исследователи считают , что здесь Микеланджело изобразил Творца как источник разума буквально: в виде мозга. Посмотрите на него « в компании» окружающих объектов — все вместе действительно похоже на анатомическое изображение содержимого нашей черепной коробки!
5. Рафаэль Санти, «Сикстинская мадонна» (1513)
На полотне Рафаэль изобразил явление Девы Марии с младенцем Христом на руках святому Сиксту. Картину заказал художнику римский папа Юлий II. Живописец вписал в полотно много деталей , важных для собственного мировоззрения. Рафаэль был гностиком: стронники этого религиозного течения считали , что они обладают особыми знания о Боге и об устройстве мира. И они , в частности , очень ценили число « шесть». Исследователи отмечают значимость этого числа для картины. Ее композицию составляют шесть фигур , а на правой руке святого Сикста будто бы шесть пальцев ( правда , если внимательно всмотреться , то «шестой палец» — это , скорее , внутренняя сторона ладони).
6. Питер Брейгель-старший, «Охотники на снегу» (1565)
С этой , безусловно , великолепной картиной связана еще и финансовая история. Тогдашний бизнесмен Йонгелинк , почитавший искусство Брейгеля , заказал художнику цикл из шести картин , изображавших времена года ( «Охотники на снегу» — одна из них). Брейгель еще не завершил работу , а у Йонгелинка начались финансовые трудности. Чтобы занять деньги из городской казны , предприниматель заложил еще ненаписанные картины мастера — точнее , документ , подтверждающий права на них. В результате сразу после написания работы Брейгеля попали в хранилище казначейства. Сам художник больше их не увидел.
7. Рембрандт Харменс ван Рейн, «Ночной дозор» (1642)
« Ночной дозор , или Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» — таково полное название картины. И она — одна из самых многострадальных в истории искусств. Во-первых , слой сажи изменил изначальный колорит « Ночного дозора»: сцена происходит белым днем , так что свое « темное» название работа получила по недоразумению. Во-вторых , полотно было урезано по горизонтали и вертикали. В-третьих , страдало от неумелых реставраций , а в 1990-м году душевнобольной посетитель Рейксмузеума плеснул на картину кислотой. При этом « Ночной дозор» остается шедевром и даже объектом паломничества.
8. Диего Веласкес, «Менины» (1656)
« Фрейлины» — так переводится название картины Веласкеса. На полотне , изображающем момент написания портрета королевской четы ( монаршие супруги отображаются в зеркале на заднем плане) и повседневную жизнь инфанты Маргариты и ее фрейлин , Веласкес запечатлел и себя самого с палитрой в руках. На груди художника можно разглядеть орден Святого Яго — высшую государственную награду Испании тех времен. Художник был удостоен ордена в самом конце жизни. По приказу короля Филиппа IV уже другой живописец дорисовал награду на груди Веласкеса на «Менинах».
9. Ян Вермеер, «Девушка с жемчужной сережкой» (1665)
Голландский живописец Ян Вермеер не давал названий своим полотнам. «Девушкой с жемчужной сережкой» картину нарекли значительно позднее , и тут же начались споры , можно ли украшение считать жемчужиной? Большинство исследователей склоняются к тому , что в ухе натурщицы сережка из венецианского стекла , а сам портрет
Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait , от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше
10. Карл Брюллов, «Последний день Помпеи» (1830-е)
Брюллов написал « Последний день Помпеи» всего за 11 месяцев , но на подготовку к работе ( эскизы , наброски) ушло целых шесть лет. Одновременно величественное и ужасающее полотно , рассказывающее о гибели города Помпеи от извержения вулкана Везувий , хранит в себе и портрет самого художника. В левой части картины , под ящиком с кистями и красками , Брюллов изобразил себя.
11. Кацусика Хокусай, «Большая волна в Канагаве» (1832)
Меццо-тинто (ещё одно название – «чёрная манера») – процесс создания гравюр на металле, относящийся к группе техник глубокой печати. При этом – в отличие от офорта – здесь изображение образуют не линии, а тонкие градации света и тени. Отсюда и название, в переводе с итальянского означающее «полутона». Мастер не создаёт углубления – линии и точки – а выглаживает светлые участки на шероховатой поверхности доски. Читать дальше Процесс создания акватинты похож на офорт, но эта техника позволяет получить богатые тональные и фактурные эффекты, схожие с рисунком водной краской – акварелью (отсюда и название «акватинта»). Именно с этим и связана популярность этого вида глубокой печати, возникшего в конце XVIII века. Читать дальше
Литография наряду с монотипией относится к группе техник плоской печати, но на этом их сходство практически заканчивается. Литография появилась в 1796-м или 1798 году, благодаря Иоганну Алоизу Зенефельдеру, типографу из Мюнхена. Изначально отпечаток снимался с рисунка на каменной – обычно известняковой – плите, откуда и пошло название этого способа (от др.-греч. λίθος «камень» + γράφω «пишу, рисую»). Ныне вместо литографского камня используются цинковые или алюминиевые пластины, которые легче обрабатывать.
на дереве японского художника Кацусики Хокусая является первым произведением из серии « Тридцать шесть видов Фудзи». Гора Фудзи виднеется вдалеке и является фоном к основному действию на картине. Работа выполнена в стилистике укиё-э и считается самым знаменитым и популярным произведений японского изобразительного искусства за пределами самой Японии.
Детская тема находит большое отражение в живописи. А где дети, там и игрушки. Нам, кукольникам, интересны куклы и я постаралась сделать соответствующую подборку.
Тема благодатна примерами и я из патриотических чувств остановилась на русской живописи, тем более что в ряду представленных художников известнейшие имена - Тропинин, Маковский, Суриков, Кустодиев.
Соблюдая исторический подход, работы художников я расположила в хронологическом порядке, возможно это даст нам проследить историю всеми нами любимой куклы. Правда временной диапазон не слишком велик, но я надеюсь в следующих публикациях продолжить начатую тему.
Варнек Александр Григорьевич (1782-1843) - "русский Ван-Дейк". Девочка с куклой.
Тропинин Василий Андреевич. Девочка с куклой. 1841г.
Корзухин Алексей Иванович (1835 - 1894 гг.) Бабушка с внучкой. 1879
Суриков Василий Иванович. Портрет Ольги Васильевны Суриковой, дочери художника в детстве. 1888.
Алексей Алексеевич Харламов (1840-1922). Сестры, 1888
Алексей Алексеевич Харламов (1840-1922). Мать и дочь.
Лемох Карл (Кирилл) Викентьевич 1841-1910. Варька. 1893.
Рябушкин Андрей Петрович (1861-1904), девочка с куклой (вторая половина 1890-х)
Константин Егорович Маковский. Портрет великой княжны Марии Николаевны, 1905.
Читайте также: